Victoria de Samotracia

 La Victoria de Samotracia.  hacia el 190 a. C

  

La Victoria de Samotracia es una escultura característica del periodo helenístico, ese que se desarrolla en Grecia entre el 323 ac. fecha de la muerte de Alejandro Magno y el 30 a.C. , con la muerte de Cleopatra, última representante de la monarquía ptolemaica en Egipto. Durante este periodo, el contacto con Oriente va a propiciar que en las cortes de los reinos surgidos de la desmembración del Imperio de Alejandro, se adopte un protocolo fastuoso basado en el de reinos orientales como el persa, la deificación de los monarcas y un gusto por lo ostentoso y lujoso.

 En arquitectura se dará una cierta tendencia al gigantismo (Templo de Apolo  en Dídima) y en la escultura se dará una tendencia que parece mantener los valores de la escultura del periodo postclásico pero, sobre todos una corriente, quizás más característica, en la que las se romperán las composiciones clásicas, más estables y basadas en líneas verticales y horizontales y formas cerradas por composiciones basadas en diagonales o líneas curvas que se entrecrucen,  mucho más dinámicas, cuerpos que rompen la armonía clásica y se hacen mucho más vigorosos , musculados y de posturas en tensión.  En algunos casos también, las composiciones clásicas que priorizaban un punto de vista darán paso a composiciones que exijan que el espectador gire en torno a la escultura  para apreciarla en todos sus detalles  ( Toro Farnese).También en esta corriente la contención expresiva y la idealización clásicas darán paso a un mayor naturalismo y a una expresividad de gestos muchísimo más acusada, ahora se verán gestos de sufrimiento dolor o fuerza en los rostros de los personajes ( relieves del Altar de Pérgamo, Laocoonte).

La Victoria de Samotracia es una escultura votiva ( que se encarga en acción de gracias)que se descubrió en las ruinas del santuario de los Grandes Dioses de la isla de Samotracia en el norte del mar Egeo en el siglo XIX. Representa a la diosa Niké ( Victoria) Se cree que fue realizada en un taller de la escuela rodia ( de Rodas) y aunque no se conoce con seguridad ni su autor ni su fecha de ejecución, se cree que fue realizada en torno al 190 a. C.

Se trata de una escultura de mármol de Paros de 2, 75 m. de altura, sobre un pedestal en forma de proa de barco con el que alcanza los 512 cm de altura. La escultura ha perdido los brazos, los pies y la cabeza y las alas fueron unidas al cuerpo después de una restauración.

 La escultura está perfectamente tallada y cuidadosamente pulida.

 La composición prioriza un punto de vista de tres cuartos desde la derecha  y así se observa una línea vertical que desciende desde el cuello hasta la pierna derecha y otra oblicua que bajando también del cuello se prolonga  hasta la pierna izquierda.  Así, la composición es dinámica y busca crear la sensación de movimiento con una pierna adelantada y otra hacia atrás. La figura está cubierta por un chitón o túnica y un manto ceñido a la cintura y que parece a punto de caer y descubre la pierna izquierda y  la túnica y el manto que las cubren con sus pliegues, perfectamente tallados y sus juegos de claroscuro reproducen perfectamente la sensación de estar agitados por el viento, en el momento de posarse sobre la proa. Al parecer, originalmente el pie derecho se apoyaba en la base y el izquierdo se elevaba hacia atrás,

Además, el escultor utiliza la técnica de paños mojados que empleó Fidias en sus esculturas femeninas de los frontones del Partenón, generando la sensación de que la túnica y el manto se ciñen al cuerpo como si estuvieran húmedos para resaltar las formas de los pechos, el vientre o los muslos.

Desde su exhibición en el Museo del Louvre  este conjunto escultórico se convirtió rápidamente en un paradigma de la belleza de la escultura helenística y del arte occidental en general, hasta el punto que el futurista italiano Filippo Tomasso Marinetti declaró como una especie de provocación y cuestionamiento de esos valores que un automóvil de carreras era más bello que la Victoria de Samotracia.

Ideas básicas sobre el arte Griego.

Ideas básicas sobre el arte Griego.


Un concepto determinante en el arte griego es el de lo clásico. Dicho concepto será fundamental en todo el arte occidental posterior como podremos ver, entre otros, en el arte romano o posteriormente en el arte del Renacimiento o del Neoclasicismo.
La imagen clásica es aquella, ya sea pintura, escultura o arquitectura, en la que se dan un perfecto equilibrio, armonía y proporción entre las partes que componen un todo, en el que cada una tiene una presencia clara pero no preponderante sobre las otras. Así, la visión de las partes se supedita a la consecución de un todo unitario, armónico y coherente.
En la imagen arquitectónica, esto se conseguirá utilizando los órdenes. Un orden arquitectónico estipula los elementos que componen la imagen arquitectónica, estableciendo su forma, tamaño y posición y las proporciones entre ellos en aras de obtener una imagen armónica y, por tanto, bella.
Los órdenes mencionados son el dórico, el jónico (surgidos ambos en el siglo VII a. C.) y el corintio (que surge ya en época clásica).
Pero además, los griegos verán que las proporciones, y ritmos ideales de los demás elementos de la composición arquitectónica como plantas y fachadas podían ser formulados, quizás por influencia pitagórica, por medio de determinadas relaciones matemáticas y geométricas en las que emplearán las fórmulas de las proporciones áureas o del rectángulo áureo. Éste último por ejemplo, es aquel en el que se establece la relación más armónica y proporcionada entre su base y su altura .



En escultura, la forma clásica será el resultado de la evolución de distintas tendencias contrapuestas que parecen traducir a su vez la evolución de los conflictos socio-políticos surgidos entre la clase aristocrática y la clase comercial y los valores e intereses ligados a éstas.
El antiindividualismo, la rigidez, la estereotipación, el convencionalismo y la inexpresividad formales ligadas a los valores de la clase aristocrática gobernante habían dado paso lentamente, a lo largo del periodo arcaico, a cierta tendencia hacia el naturalismo o la caracterización individual, propios de los valores de una clase comercial ascendente social y políticamente.
La llegada de los regímenes democráticos a algunas polis griegas en torno al comienzo del siclo V a. C, parece tener su paralelismo en la escultura en la concreción de los valores clásicos:
La imagen escultórica clásica debe ser bella, armónica y proporcionada. Al tratamiento naturalista del cuerpo se sumará una cuidada aplicación de cuales deben ser las proporciones ideales de éste, por medio del canon, o una composición equilibrada y una ausencia de dinamismo en ésta y de dramatismo o expresión en el gesto, pervivencia de los antiguos valores aristocráticos que consideraban lo dramático o expresivo como indecoroso. También será pervivencia de estos valores la representación de cuerpos masculinos desnudos que presentan físicos cultivados y vigorosos entrenados para las competiciones deportivas y la guerra pero de formas armónicas y contornos fluidos.
El 1º canon fue establecido por Polícleto a mediados del siglo V a. C., en un texto así titulado y lo “ilustró” por medio de la escultura llamada “ El doríforo”. Dicho canon pretenderá establecer las proporciones ideales de la representación del cuerpo humano y de los distintos elementos que lo componen para que su imagen sea lo más equilibrada, armónica y, por tanto, bella que sea posible.

Erecteion en la acrópolis de Atenas realizado por Mnesiklés entre 421-406 a. C..

Erecteion en la acrópolis de Atenas realizado por Mnesiklés entre 421-406 a. C..
El Erecteion fue construido en pleno siglo de Pericles, en el momento de máximo esplendor de Atenas, cuando ésta detentaba la hegemonía sobre el resto de polis griegas. Su construcción formaba parte del programa de reconstrucción de la Acrópolis de Atenas que, como sabemos, era el santuario principal de la ciudad y núcleo originario de ésta y que fue destruida en el 480 a. C. por los persas. Dicha reconstrucción fue impulsada por Pericles para precisamente conmemorar la victoria posterior sobre los persas y reflejar y simbolizar la ya mencionada hegemonía sobre el resto de las polis. Sin embargo, su construcción finalizó tan sólo dos años antes de que Atenas sufriera una derrota definitiva ante Esparta en la Guerra del Peloponeso, derrota que provocará el inicio de su decadencia.
El edificio es de orden jónico, como podemos apreciar, entre otras cosas, en sus columnas con basa, sus capiteles de volutas, su arquitrabe dividido en tres bandas horizontales y su friso continuo, y está realizado en el mismo mármol blanco pentélico del resto de edificios de la acrópolis. Es un templo de planta compleja y absolutamente original ya que está compuesta por la disposición en dos niveles que se adaptan al terreno de tres rectángulos de distinto tamaño.En su nivel superior, el cuerpo de planta rectángular más grande está subdividido en un pórtico hexástilo en su lado oriental y cuatro espacios interiores, dedicados a tres divinidades y al mítico rey de Atenas Erecteo, de quien el edificio toma el nombre. Orientado hacia el noroeste hay un pórtico de planta rectangular que era el santuario dedicado a Poseidón y hacia el suroeste un tercer pórtico de planta rectangular, aún más pequeño y en el que sobre un elevado murete o zócalo están situadas las célebres cariátides.Éstas son figuras femeninas, que cumplen la función de columnas sosteniendo el entablamento de este pequeño pórtico.
Su complejidad compositiva no resta armonía a la imagen resultante,absolutamente clásica, si por ésta consideramos la belleza basada en la disposición equilibrada y proporcionada de los distintos elementos que componen la imagen, supeditando éstos a la obtención de un todo unitario y armónico, y que sorprende por su elegancia y refinamiento formales que contrasta con la sobriedad igualmente elegante de la composición del Partenón.

Laoconte y sus hijos.Autores: Hagesandro, Atanodoro y Polidoro. Siglo I.

Hagesandro, Atanodoro y Polidoro: Laocoonte y sus hijos. Siglo I. Es una de las obras más conocidas del Helenismo.Se pone como fecha de inicio del helenismo la de la muerte de Alejandro Magno y la división de su imperio (323 a. C.) y como final el siglo I.
El contacto con las culturas orientales, será determinante en la evolución del arte griego así como la expansión definitiva de una economía basada en el comercio. Como consecuencia de esto, habrá una mayor pluralidad de gustos. Convivirá el gusto por lo clásico y las consiguientes copias de sus modelos con el interés por formas y composiciones más dinámicas, sensuales y expresivas en las que la estilización se hará mayor y en las que crecerá también el interés por lo dramático.

Se cree que puede ser una versión alterada de un grupo en bronce de hacia el 200 a. C. Aunque también hay quienes creen que puede ser original. El conjunto escultórico describe el momento en el que el sacerdote troyano Laocoonte y sus hijos son atacados por una serpiente marina enviada por Poseidon para evitar que avisen a sus conciudadanos sobre el riesgo del caballo de Troya. Los autores pertenecían a un taller de Rodas.

El grupo escultórico, cuya figura principal, Laocoonte, en el centro de la composición es de tamaño algo mayor que el natural ( mide 245 cm de altura),  fue primorosamente  tallado en mármol y cuidadosamente pulido para reproducir con fidelidad la calidad de la piel de los o los músculos en tensión  de los personajes. Los escultores emplearon también el trépano para crear efectos de claroscuro o tallar primorosamente los rizos del cabello y la barba de Laocconte o el interior  de su boca. Como es característico del Helenismo, la representación incide en lo dramático exagerando la torsión y la tensión de los cuerpos en una composición dinámica y barroca dominada por la diagonal ascendente del cuerpo de Laocoonte, y  en la que destacan también los enroscamientos de los cuerpos de las serpientes. Llama la atención, asimismo, la vigorosa anatomía del personaje principal , de musculatura mucho más acusada y tensa que abandona la armonía y la equilibrada proporción características  de los cuerpos del Clasicismo y que contrasta con las de sus hijos que aparecen como adolescentes a los que se hubiera representado a otra escala distinta y menor a la del padre. La enorme expresividad de los gestos de dolor, tensión y temor de los personajes olvida también la contención clásica.

Lisipo. Apoxyomenos.325 a. C.

  





































Otra de las obras más características del 2º Clasicismo que se desarrolla entre el404 y el 323 a. C.. Se pone como fecha inicial la capitulación de Atenas ante Esparta en la guerra del Peloponeso y como fecha final la muerte de Alejandro Magno. En este periodo convulso en lo político, se dará la introducción de aspectos algo más sensuales y una mayor estilización que hará que se establezca un nuevo canon más alargado. A este periodo corresponden escultores como Praxíteles, Leocares, Escopas y Lisipo.

Lisipo es uno de los grandes nombres del 2º periodo clásico. Según algunas fuentes, fue un escultor extraordinariamente prolífico aunque desgraciadamente y a excepción del llamado 

" Atleta de Fano" de atribución no definitiva, no se conserva ninguna de sus obras originales sino, tan sólo, copias posteriores. En sus figuras el canon se alarga estableciéndose unas nuevas proporciones en las que, por ejemplo, la altura total del cuerpo será 8 veces la del tamaño de la cabeza. Lisipo fue el escultor preferido por Alejandro Magno de quien fue escultor oficial y a quien retrató.

Su obra más conocida es el Apoxiomenos, aunque también realizó el Agias de Farsalia o Eros tensando el arco.

Esta es la escultura prototípica del canon de Lisipo.  Se trata de una copia de época romana tallada en mármol de un original hoy perdido que se puede suponer que fuera realizado en bronce. 

La composición se articula respecto a un eje vertical, aplicando el característico contraposto: El cuerpo se apoya en la pierna izquierda,  cuyo eje se inclina hacia adentro de manera que el pie izquierdo coincide con el centro de gravedad del cuerpo, La cadera izquierda, por tanto se alza más que la derecha y, como es característico también el hombro izquierdo aparece ligeramente más bajo que el derecho. Asimismo, la pierna derecha aparece ligeramente flexionada y con el talón correspondiente sobre el suelo ya que en una persona real que mantuviera esta postura dicha pierna no soportaría el peso del cuerpo.

 La figura se estiliza, con esa altura total que equivale al tamaño de ocho cabezas, pero recupera la representación del cuerpo robusto, vigoroso,  atlético a la vez que armónico que Praxíteles había sustituido por unas formas más gráciles y menos rotundas . Con el acusado escorzo del brazo derecho extendiéndose hacia adelante y el ya mencionado forzado contraposto del cuerpo, Lisipo introduce un elemento nuevo en la visión de la escultura, rompiendo con la tradición de representar las figuras ciñéndose a un plano y fuerza al espectador a rodear ésta y a no contemplarla, como era común hasta entonces, desde un punto de vista único. 

El tema podría ser calificado de banal: Se trata de un atleta que está limpiándose con un rascador eliminando de su cuerpo el polvo húmedo por el sudor tras haber participado en una competición atlética.

Praxíteles. Hermes con Dionisos. Hacia 340 a. C..

Praxíteles. Hermes con Dionisos. Hacia 340 a. C..
Esta es una de las obras más características del 2º clasicismo, periodo que se desarrolla entre los años 404 y 323 a. C.. Se pone como fecha inicial la capitulación de Atenas ante Esparta en la guerra del Peloponeso y como fecha final la muerte de Alejandro Magno. En este periodo convulso en lo político, con violentos enfrentamientos entre las polis griegas, la posterior conquista de Grecia por Macedonia y la increible aventura de conquista de Alejandro Magno,se dará la introducción de aspectos algo más sensuales y una mayor estilización que hará que se establezca un nuevo canon más alargado, establecido por Lisipo. A este periodo corresponden escultores como Praxíteles, Leocares, Escopas y Lisipo.
Praxíteles fue un escultor que introdujo aspectos más sensuales en sus esculturas y, además de este Hermes con Dionisos, es conocido por la realización de la Afrodita de Cnido,  el primer desnudo femenino de la escultura griega, o el Apolo Sauroctono.
Hasta hace poco se mantuvo la idea de que esta escultura, tallada en marmol de Paros, era el original tallado por Praxíteles, lo que parece poco creíble según algunos expertos. Representa al dios Hermes departiendo con el dios Dionisos representado como niño. La escultura tallada en mármol de Paros, fue cuidadosamente pulida sobre todo en zonas como el rostro de Hermes, casi  brillante. L
Praxíteles mantieme algunas características habituales a las esculturas clásicas en la composición como la aplicación del contraposto.  En este caso, la pierna derecha sirve como punto de apoyo al cuerpo, mientras la pierna izquierda se flexiona ligeramente liberada del peso del cuerpo. Sin embargo, Praxíteles introduce cambios respecto a la escultura del 1º Clasicismo como vemos en ese cuerpo que se alarga respecto al canon de Polícleto y se curva creando una estilizada S alargada, composición que se llamará curva praxiteliana. Además, rota ligeramente la cabeza de Hermes respecto al eje del cuerpo para romper la frontalidad y el rostro de Hermes, es el resultado de una idealización  que responde al ideal de belleza de Praxíteles que vemos como aplica, además, el conocido" Perfil griego" con leo contorno de la nariz prolongando el de la frente en una misma línea. Praxíteles representa a quia, como en sus otras esculturas, un cuerpo más sensual, grácil y estilizadosque los escultores anteriores que siempre representaban cuerpos vigorosos ( aunque también, como siempre en la estatuaria griega, armónicos como fruto del cuidado y el ejercicio).

Mirón: Discóbolo. Mediados del siglo V a. C.

Mirón: Discóbolo. Mirón es con Fidias y Polícleto uno de los más importantes escultores del 1º clasicismo y su Discóbolo una de las obras más conocidas de este periodo.
En él llama la atención el intento de inscribir el movimiento en un esquema compositivo cerrado formado por la intersección de dos arcos ( Un arco arranca en el pie izquierdo, se prolonga en su pantorrilla, sigue por el brazo´izquierdo, los hombros, el brazo derecho y culmina en el disco, el otro arranca en el pie derecho,
el muslo izquierdo,el tronco y acaba en la cabeza), lo que le confiere equilibrio y armonía a la composición. La figura se representa en el llamado momento pregnante o momento más representativo del movimiento descrito.
Como es característico la composición prima un punto de vista único ( lo que en absoluto quiera decir que se descuiden los elementos ocultos desde ese punto de vista).
El tratamiento de la anatomía es muy minucioso y, como en todo este periodo, se representará un cuerpo vigoroso pero armónico, entrenado para las competiciones atléticas y la guerra y con una rigurosa relación de proporcionalidad entre los distintos miembros del cuerpo. El gesto concentrado y la expresión contenida son, como los aspectos antes mencionados, característicos de los valores clásicos en los que el concepto de belleza está tan íntimamente unido al de armonía.
La imagen representa a un lanzador de disco y enlaza con la tradición de los Kouroi arcaicos de la exaltación de los valores que un cuerpo masculino cultivado, entrenado y cuidado transmite.
Ésta es una copia romana del original griego que fue realizado en bronce y que, como la mayoría de las obras exentas de este periodo, se ha perdido.
En el 1º Clasicismo se conforman una serie de conceptos cruciales en la historia del arte, precisamente asociados a esa idea de " Clásico" y el Discóbolo ha sido uno de los símbolos de esta idea por lo que su influencia ha sido muy grande.

Fidias. Decoración escultórica del Partenón. Atenas. 448-432 a.C..

Fidias es uno de los escultores más importantes del 1º Clasicismo, periodo que va desde el 480 a. C. ( Victoria de las Polis griegas frente a Persia en las guerras médicas) al 404 a. C. ( fecha en la que Atenas es derrotada por Esparta y que da fin a la preponderancia ateniense en Grecia).
Además de estas obras Fidias realizará una de las siete maravillas del mundo: La colosal estatua crisoelefantina (recubierta de oro y marfil)de Zeus en su templo de Olimpia. Otra escultura crisoelefantina gigante fue realizada par el interior del Partenón: La llamada Atenea Partenos y también para la Acrópils de Atenas la enorme Atenea Promachos en bronce. Todas estas esculturas se encuentran destruidas.
Como ya sabemos, Pericles encomendó a Fidias la supervisión de la construcción del Partenón y la reedificación de la Acrópolis que había sido devastada por los persas poco antes de la definitiva victoria griega. La intención de Pericles era que la nueva acrópolis y sus edificios se convirtieran en símbolo de la primacía de Atenas sobre el resto de las ciudades griegas y el programa iconográfico ( La decoración escultórica) que le acompañara, del que se responsabilizó Fidias, debía simbolizar los valores de la cultura y la civilización griegas
El frontón occidental representa la lucha entre Atenea y Poseidón por la posesión del Ática( región en la que está enclavada Atenas) a la que asisten otros dioses. El oriental representa el nacimiento de Atenea. Se aprecia la belleza de los cuerpos en los que el modelado naturalista se combina con una idealización de las formas que buscan la belleza basada en la proporción, el orden y el equilibrio. Mientras que los cuerpos masculinos aparecen desnudos, todavía los femeninos lo hacen vestidos, aunque Fidias introducirá la técnica de paños mojados, que consiste en representar los cuerpos femeninos como si vistieran ropajes húmedos, con lo cual puede resaltar más las formas femeninas que se intuyen bajo ellos, además de jugar con los efectos del claroscuro de las arrugas. asimismo podemos observar como las posturas de los cuerpos hacen que estos se adaptebn a la porción de frontón en la que están situados.

Los temas de las 92 metopas representan las luchas de dioses contra gigantes ( gigantomaquia), hombres contra amazonas y hombres contra centauros (centauromaquia) y la guerra de Troya, haciendo de estos combates una metáfora de la lucha entre griegos y persas de la que habían salido vencedores, ya que ellos se veían como defensores de la civilización frente a la barbarie.
El friso continuo que rodea a la naos es de influencia jónica y resulta un prodigio de equilibrio y ritmo de las formas. Representa una procesión ritual en honor de Atenea que se efectuaba anualmente ascendiendo desde el ágora hasta la acrópolis.
No debemos olvidar que además del deterioro que han sufrido todas estas esculturas estaban policromadas lo cual provocaría un efecto bastante lejano del que solemos imaginar al no considerar esto.

Polymedes de Argos. Los hermanos Kleobis y Bitón. 600 a. C.

Polymedes de Argos. Los hermanos Kleobis y Bitón. 600 a. C.:

Hacia el 700 a. J.C., va a iniciarse un desarrollo del comercio que fomentará el desarrollo de algunas polis jonias (en las costas de Asia Menor) y de las colonias de la Magna Grecia (enclaves en el sur de Italia y Sicilia). Con él, surgirá el desarrollo de una nueva clase de prósperos comerciantes cuya actividad, basada en el individualismo y la competencia fomentarán el surgimiento de unos nuevos valores más dinámicos frente al anquilosamiento y rigidez de los gobernantes aristocráticos. La reclamación de estos comerciantes por obtener una representación en el gobierno de las polis acorde con su peso económico será el primer paso hacia la evolución a regímenes democráticos cuya transición serán las tiranías que gobernarán las ciudades a partir del 600 a. C. . Éstas irán apareciendo, primero en Jonia y luego en otras muchas ciudades griegas.
Las esculturas de este periodo serán reflejo de las identidades de estas dos clases sociales tan dispares. Los valores aristocráticos, rígidos y antiindividualistas, se traducirán en cierta geometrización , rigidez, rudeza y estereotipación de las formas; de la clase comerciante, la lenta pero constante evolución hacia el naturalismo que se hará más y más grande, paralelamente al desarrollo de esta clase social durante los siglos siguientes.
Las esculturas más características de este periodo entre el 600 y el 500 a. C. son los KOUROI y las KORÉ.
Los Kouros son esculturas de muchachos( Kouros significa muchacho en griego) que se utilizaban o como acción de gracias por algún éxito militar o deportivo del representado, o por haber fallecido éste en extrañas circunstancias (abatido por un rayo). Los jóvenes son representados desnudos ya que el orgullo por tener un cuerpo saludable y vigoroso es una pervivencia de esa casta aristocrática que se dedicaba a representar su patria en la guerra o en los juegos religiosos (como los olímpicos).
Los hermanos Kleobis y Bitón. realizados en torno al 600 a. C. por Polymedes de Argos es un grupo escultórico representativo de lo que son los Kouroi del periodo arcaico y en este caso son una escultura votiva para agradecer los éxitos deportivos en unos juegos olímpicos, obtenidos por estos hermanos, pertenecientes a la aristocracia que dominaba y gobernaba las polis griegas en este periodo .Están tallados en piedra y podemos ver los aspectos más característicos de la escultura de este periodo. La introducción de factores naturalistas no se radicaliza por la pervivencia de los valores aristocráticos que harán que exista una gran estereotipación (no son retratos fieles sino que representan un ideal de clase)y una geometrización que podemos observar en los ojos almendrados y excesivamente grandes, la robustez y la geometrización del tratamiento de la cabeza, también excesivamente grande respecto al cuerpo, el pecho que parece recortarse en un plano superpuesto sobre el tronco o el tratamiento casi dibujístico de las rodillas con un modelado mínimo.
También es evidente la rigidez en el tratamiento de las formas que hará que se busque el equilibrio por la simetría como podemos apreciar en el tratamiento del cabello dispuesto como dos masas simétricas respecto a la cabeza y la también simetría de los brazos,que a pesar de aparecer flexionados acrecientan la sensación de rigidez. Es característica también la postura con las piernas  sin flexionar, una adelantada y otra atrasada y con los dos pies apoyados en el suelo que, por su hieratismo ( Rigidez) , no consiguen dar la sensación de movimiento y que parecen inspirarse en el mismo hieratismo de la plástica egipcia buscando imponer al espectador un cierto respeto reverencias por los representados.
Sin embargo será asombrosa la evolución que a partir de este momento veremos en la escultura griega y como paulatineamnet se irán introduciendo elementos más y más naturalisata hasta desembocar 15o años más tarde en la plenitud del clasicismo.

Polícleto: Doríforo. 450-445 a.C..

Realizada a mediados del siglo V a.C., en el periodo que se llama 1º Clasicismo y que abarca el llamado Siglo de Pericles, en el que, tras la derrota de los persas, Atenas vivirá su periodo de máximo esplendor . La democracia ha tomado forma como modo de responder a las demandas de poder de una clase comerciante cada vez más rica e influyente y será el momento de máximo desarrollo cultural y artístico con el florecimiento del teatro, la arquitectura, la escultura y todas las demás artes.
Polícleto, autor del Doríforo, completó con Mirón y Fidias el trío de máximos representantes escultóricos de este periodo. Otra obra conocida suya es el Diadumenos.
El Doríforo es para nosotros la materialización de los ideales artísticos de este periodo. Representa un hombre portando una lanza. El original era en bronce y ésta, como otras, es una copia de época romana realizada en mármol. Polícleto escribió un libro, hoy perdido, llamado “Canon” en el que establecía una serie de normas de representación que determinaban cuales debían ser las proporciones ideales del cuerpo humano y utilizó esta escultura como ejemplo y materialización de todos estos preceptos que seguirían los escultores contemporáneos y posteriores. La más conocida de estas normas es la que establece que la altura total del cuerpo debe ser 7 veces la de la medida de la cabeza. Desde entonces se ha utilizado el término de canon para designar el conjunto de proporciones ideales que deben aplicarse a las distintas partes del cuerpo humano para la representación armónica y bella de éste.
Es curioso advertir que Polícleto no realiza esta obra por encargo, como era habitual en esa época, sino que la hace, como hemos dicho, para ilustrar sus ideas acerca de la belleza, quizás buscando reivindicar un status más digno para su arte. Es decir, respondiendo a un deseo y a unos intereses estéticos personales en una actitud que no volverá a repetirse en siglos y que es el primer hito de la llamada "Autonomía del Arte".
Como es característico en estas obras del 1º clasicismo, aquí también observamos la inexpresividad y la composición absolutamente estable y equilibrada que huye de cualquier gestualidad o dinamismo exacerbado.
Podemos observar como aplica el llamado “contraposto” en la posición del cuerpo que se corresponde con el perfecto equilibrio y armonía de las formas (la leve torsión del tronco equilibrando la inclinación contraria de la pierna derecha del personaje, sobre la que se apoya el peso, y la izquierda que, liberada del peso, se dobla levemente hacia atrás).
La influencia de esta obra será muy grande, no sólo en el arte griego, sino en otros momentos en los que el arte occidentall ha vuelto su mirada hacia la tradición clásica. Así por ejemplo, en el Neoclasicsimo la obra del escultor danés Thorvaldsen estará en gran medida influida por el canon y las formas de Polícleto.

Poseidón del cabo Artemission. Anónimo. 460 a. C.

Otro bello ejemplo de la escultura del estilo severo es este Poseidón (dios del mar) en actitud de lanzar el tridente.Este estilo corresponde al periodo entre 500 y 450 a. C. aprox.Este periodo fue muy convulso ya que en el se dan las guerras médicas ( Entre las polis griegas y el Imperio Persa)que culminarán con la victoria griega. Además, en este periodo el lento pero firme crecimiento de la influencia de la clase comercial frente a la aristocracia incidirá en cierta transformación de los valores que en la escultura se patentizará en un mayor desarrollo de las tendencias naturalistas frente a la geometrización anterior. La rigidez de los kouros arcaicos con sus características piernas aparentando dar un paso es sustituida por una postura algo más natural y reposada. La sobriedad y la contención formales son características de este periodo.
Realizada también en bronce en un tamaño algo mayor que el natural, no trata de representar de modo naturalista el movimiento sino que sacrifica ese aspecto en aras de una belleza basada en la armonía y el equilibrio (mismos principios que en la arquitectura). A ello contribuyen también el gesto contenido e inexpresivo o el tratamiento del cuerpo, perfectamente modelado y que muestra un físico musculoso pero armónico que responde al ideal clásico. Asimismo, la composición de la imagen, absolutamente estable, está basada en una T en la que piernas, tronco y cabeza corresponden al elemento vertical y la horizontal está marcada por los brazos. La escultura se realiza primando un punto de vista que es el que corresponde a aquel desde el que está obtenida la fotografía.

. Auriga de Delfos.Pitágoras de Rhegyon478-474 a. C.

Pitágoras de Rhegyon. Auriga de Delfos.478-474 a. C.: Esta escultura es una de las más representativas del llamado Estilo Severo. Éste corresponde al periodo entre 500 y 450 a. C. aprox..El lento pero firme crecimiento de la influencia de la clase comercial frente a la aristocracia incidirá en cierta transformación de los valores que en la escultura se patentizará en un mayor desarrollo de las tendencias naturalistas frente a la geometrización anterior. La rigidez de los kouros arcaicos con sus características piernas aparentando dar un paso es sustituida por una postura algo más natural y reposada. La sobriedad y la contención formales son características de este periodo.
El Auriga de Delfos está realizado en bronce y formaba parte de un gran grupo escultórico de una cuadriga de la cual se conservan, aparte del conductor, pequeños fragmentos de los caballos (cola y patas) así como restos de las cinchas. Dicha cuádriga era una estatua votiva ( De acción de gracias) que ofreció el tirano de Siracusa a Apolo en su santuario de Delfos. La figura mantiene la inexpresividad característica a casi todas las esculturas: el equilibrio y la armonía tan apreciados están también en la ausencia de expresión. La composición está dominada por la estabilidad y verticalidad del cuerpo en actitud contenida y nada dinámica e intuímos que el conjunto escultórico completo, con cuádriga y caballos, daría esa misma sensación en una composición general dominada por la horizontalidad de carro y troncos de los caballos y la verticalidad de patas, cuellos de éstos y el ya mencionado auriga. La escultura es de una minuciosidad absoluta, en el rostro apreciamos el dibujo de los pelos de la barba, los ojos están, como era costumbre, realizados en pasta de vidrio y las pestañas están recortadas en finas láminas de bronce..El vaciado de la figura se realizó en diversas piezas que se unieron posteriormente por remaches. Así cabeza y tronco son una sola pieza, los dos brazos estaban encajados en las mangas de la túnica, la falda estaba unida al tronco por un cinturón de bronce y las piernas se encajaban en la parte inferior de la túnica.

Altar de Zeus y Atenea en Pérgamo.180-159 a. C.

Altar de Zeus y Atenea en Pérgamo (Asia menor, actual Turquía).180-159 a. C. Setrata de uno de los grandes ejemplos de la arquitectura del periodo helenístico, periodo que va desde la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. hasta lo inicios de la era cristiana, cuando Grecia lleva ya tiempo bajo dominio romano. Se llama Helenismo a este periodo de máxima expansión de la cultura griega en el que ésta va a ejercer su influencia en los territorios que habían sido conquistados por Alejandro Magno y en el que dicha cultura reflejará, asimismo, la influencia oriental de las tierras conquistadas. Aunque el helennismo no es una cultura homogénea veremos como en la escultura aparecerán rasgos más expresivos y dinámicos y una cierta quiebra del equilibrio la inexpresividad y la armonía clásicos( aunque se mantendrá también una corriente clasicista), y en la arquitectura, composiciones más complejas y el empleo de proporciones más imponentes.
El Altar de Zeus estaba situado en la Acrópolis de Pérgamo, ciudad de Asia Menor, que en esa época era una de las ciudades más importantes del mundo griego. Fue encargado por Eumenes II para conmemorar las victorias de su padre, Atalo I y acabado en el reinado de su hijo, Atalo II. El mármol empleado en su construcción y la magnificencia de ésta así como la riqueza de la decoración escultórica quieren servir como testimonio del esplendor alcanzado por Pérgamo bajo el reinado de estos reyes.
El altar de sacrificios era en época clásica de pequeñas dimensiones y se disponía ante el templo del dios, en el helenismo, sin embargo, adquirirá grandes dimensiones, como es en este caso, hasta alcanzar gran monumentalidad; la gran escalinata, y la columnata jónica que enmarca toda la parte superior contribuyen a ello. Traspasando la columnata situada en lo alto de la escalinata, sobre la plataforma a la que conduce ésta, se encuentra el patio porticado en cuyo centro se encuentra el altar. La columnata se extiende perpendicularmente por los lados sostenida sobre un zócalo que enmarca la escalinata.
Los frisos escultóricos de 120 m de longitud y 2,30m.de altura realizados en mármol blanco que decoran los zócalos dónde se asientan las alas laterales de la columnata son una de las grandes realizaciones de la estatuaria helenística. Otro relieve de menores dimensiones recorre el interior de la columnata.
Numerosos autores colaboraron en este friso que rodea el zócalo del pórtico exterior Se trata de un altorrelieve en el que el volumen es muy acusado( algunas figuras parecen casi exentas) y en la que se proyectan dramáticas sombras obtenidas por las superposiciones de cuerpos y las arrugas de las vestimentas de las figuras ( para lo cual se utiliza el trépano, especie de taladro accionado a mano). La composición parece abandonar el rigor ortogonal y el orden clásicos y aparecen líneas oblicuas que se entrecruzan y que generan una sensación de mayor tensión y dinamismo. Los cuerpos representados, perfectamente tallados y con un cuidadoso tratamiento de sus texturas por medio del pulido de las superficies, abandonan la armonía clásica de sus proporciones y miembros para exagerar su vigor, incidiendo en la rotundidad, volumen y tensión de los músculos. Llama la atención la fineza en la ejecución de los detalles en una obra que estaba destinada a ser observada desde el exterior.
Destaca, igualmente, la expresividad de los gestos, de una violencia  y un dramatismo inusitados. l. El tema principal es la lucha entre dioses y gigantes.

El Partenón

Arquitectos: Ictinos y Kalicrates, bajo la supervisión de Fidias. Partenón. Acrópolis de Atenas.447-432 a.C..
Éste es el ejemplo más perfecto de la arquitectura clásica griega. Construido en pleno Clasicismo, es el edificio más característico del arte griego y el que mejor simboliza el llamado siglo de Pericles.
Fue erigido para sustituir el templo anterior destruido por los persas y Pericles, máximo gobernante de Atenas en este espendoroso periodo, buscó hacer de él un símbolo de la civilización griega y de la capitanía de Atenas al frente de ésta.
El nombre del templo viene de que está dedicado a Atenea Partenos. Los arquitectos que lo realizaron son Ictinos y Kalikrates aunque no hay que olvidar la supervisión general de Fidias. Es de planta rectangular y todo ello está realizado en mármol blanco pentélico y es de estilo dórico.Como es característico en la arquitectura griega tanto las columnas como los grandes sillares de los muros están perfectamente tallados y sostenían una estructura arquitrabada sobre la cual descansaba una cubierta a dos aguas.
El templo es anfipróstilo( tiene dos pórticos de columnas )octástilo ( tiene ocho columnas en ellos )y períptero (está rodeado de columnas: 8 , como ya hemos dicho en los frentes y 17 en los laterales) Estas columnas rodean tres espacios cerrados por muros laterales: La pronaos , especie de vestíbulo desde el que se accedía a la naos, espacio principal en el que estaba situada la imagen de la diosa y el opistodomos en el que generalmente se guardaban ofrendas y materiales para el culto. El templo era considerado morada del Dios o diosa, como en este caso,y sólo los sacerdotes y unos pocos elegidos podían penetrar en él. Los fieles asistian a las ceremonias en el exterior.
La intención de aproximarse a la belleza a través del orden y el equilibrio era tal que, no sólo se aplicaron el rectángulo aúreo y otras relaciones matemáticas en las proporciones de la planta y las fachadas, sino que también se curvó ligeramente hacia arriba el entablamento por el centro de las fachadas laterales y se aumentó el espacio entre las columnas más próximas al centro de éstas para paliar cualquier deformación óptica. Por la misma razón los fustes se abombaban a media altura hacia fuera (éntasis) y se inclinaban ligerísimamente hacia el interior.
Además, como las columnas de las esquinas eran las únicas que aparecían silueteadas por la luz solar que las habría hecho parecer más estrechas que el resto, se compensaba dicha sensación óptica haciendo dichas columnas aproximadamente 5 cm más gruesas que el resto.
Aunque sea un templo dórico, la inclusión de elementos jónicos es evidente en el friso que rodea toda la parte supeior del muro exterior que rodea la pronaos, la naos y el opistodomos, en las proporciones más estilizadas y en las cuatro columnas jónicas de la parte superior del opistodomos.
La Decoración escultórica era muy importante y la significación de sus temas no es sólo religiosa sino también expresmente simbólica y política. En el interior de la naos había una enorme estatua crisoelefantina (recubierta de oro y marfil) de Atenea diseñada, como los frisos, metopas y frontones por Fidias .A la mencionada estatua de Atenea hay que añadir la decoración de los frontones occidental( narrando la disputa entre Atenea y Poseidón por la posesión del Ática) y oriental( narrando el nacimiento de Atenea), las metopas que describían las luchas entre dioses y gigantes (gigantomaquia) ,hombres y centauros (centauromaquia) , hombres y amazonas y la guerra de Troya, metáforas todas del triunfo de la sociedad helena sobre los bárbaros persas y, por último el friso que describía la procesión de las panateneas y que rodeaba la naos.
Como curiosidad, señalar que a pesar de estar integramente realizado en mármol blanco, muchos de los elementos estaban originalmente policromados con vivos colores rojos, azules o dorados lo que resaltaba la imagen de éstos.
A pesar del deterioro sufrido por siglos y siglos de agresiones, destrucciones y saqueos el edificio mantiene la belleza original siendo el mejor testimonio del genio creador heleno. En el Partenón el concepto de lo clásico como el del perfecto equilibrio entre las partes que componen un todo, en el que cada una tiene una presencia clara pero no preponderante sobre las otras y en el que la visión de las partes se supedita a la consecución de un todo unitario, armónico y coherente es absolutamente evidente, además de que nos llama la atención la relación del edificio con el lugar en el que está situado.

La Acrópolis de Atenas

La acrópolis de Atenas es uno de los símbolos del arte griego y está edificada sobre una colina (acrópolis significa ciudad alta), en la que se creó, en época micénica, el núcleo original de Atenas. Posteriormente, la ciudad crecería por los terrenos colindantes y la colina se convertiría en santuario de la diosa-patrona de la ciudad: Atenea. Tras el saqueo y destrucción de la ciudad y el santuario por los persas en el 490 a. C., Pericles, a la sazón gobernante de la ciudad, decidió la reconstrucción de la acrópolis como símbolo de la recuperación y victoria sobre los persas. Quien recibió el encargo de coordinar el proyecto fue el escultor Fidias. Además del Partenón, templo principal del santuario dedicado a Atenea Partenos que, como ya hemos dicho era la patrona de la ciudad, destacan otros tres edificios: los Propileos (entrada al recinto), el Erecteion y el templo de Atenea Nike. Tanto el Partenón como los Propileos eran de orden dórico , mientras que el Erecteion y el pequeño templo de Atenea Nike eran de orden jónico. A estos hay que sumar las fantásticas estatuas y otros elementos que abundaban en el recinto sagrado.