Composición con rojo, amarillo y azul.Mondrian.1935

El Neoplasticismo surgió en Holanda en 1917, capitaneado por los pintores Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, utilizando para su difusión una revista llamada De Stijl ( El estilo) que editaba el segundo. El nombre de Neoplasticismo nombre proviene del término Nueva plástica con el que Mondrian se refería a su propuesta artística. La influencia del neoplasticismo se extendió al diseño de mobiliario y a la arquitectura, campos en los que destacó Gerrit Rietveld. Los presupuestos neoplasticistas también influyeron en el ideario y desarrollo de la famosa escuela alemana de vanguardia llamada Bauhaus.
Mondrian nació en Holanda en 1872. Se formó en Amsterdam como pintor, y como muchos otros artistas de su época, transitó por el Impresionismo, el neoimpresionismo, el simbolismo o el cubismo. En su etapa cubista sus cuadros fueron progresivamente acercándose a la abstracción hasta desembocar en ella. La teosofía, un movimiento filosófico-religioso-científico de carácter esotérico que fundía influencias cristianas, hinduistas y budistas y que surgió a finales del siglo XIX, la filosofía de Spinoza y los escritos del místico Schoenmakers influyeron también en el desarrollo del pensamiento artístico de Mondrian. En sus primeros cuadros abstractos veremos como empiezan ya a aparecer los trazos de líneas negras horizontales y verticales entrecruzándose aunque combinándose en ocasiones con líneas curvas y oblicuas. Posteriormente, su lenguaje se irá depurando aún más . En un viaje que hace durante la 1º Guerra mundial a la costa de su país, comenzará a pintar cuadros en los que sólo aparecerán ya líneas negras cortas horizontales y verticales que parecen inspirarse en la vibración de las olas al romper contar las rocas pero también en los paisajes costeros en proceso de conversión en pólder (los conocidos terrenos ganados al mar que son una parte importante del territorio holandés) Así, las líneas verticales y horizontales se inspirarían en los postes que se clavan en el lecho marino pare estabilizar éste y en sus reflejos sobre la superficie marina. Composiciónº 10, 1915.
Cuando Mondrian empieza a colaborar en la revista De Stijl, publicará una serie de textos, escritos como un diálogo entre tres personajes, con un carácter bastante pedagógico que utilizará para justificar su visión artística.
A comienzos de los años 20, y a pesar de las dificultades económicas que estaba pasando (lo que le llevó , como en ocasiones anteriores, a tener que pintar cuadros de flores para subsistir), Mondrian alcanzará la madurez de su estilo, planteando un arte de gran economía formal en que la belleza se obtuviera por la relación armónica de líneas horizontales y verticales negras y de rectángulos de los colores básicos: amarillo, rojo y azul dispuestos sobre un fondo blanco (aunque en un primer momento aparecería también el gris). Mondrian sostenía que la obra de arte debía de ser un vehículo que expresara la fuerza y la armonía del universo por medios exclusivamente plásticos y escribió que la formas de la naturaleza podían reducirse a una relación básica de líneas horizontales y verticales. Pretendió crear un arte nuevo, liberado de la imitación de la naturaleza sensible, imitación que el creía limitada y fracasada ya que, según él, la reproducción de un paisaje, jamás produciría la sensación que el paisaje real podía provocar en el espectador.
Mientras que a comienzos de los años 30 las obras de Mondrian se caracterizarán por la restricción rigurosa de los medios plásticos y una mayor austeridad formal, a finales de la misma década, las retículas de líneas cobrarán más importancia, haciéndose más complejas. Esto coincidirá con su establecimiento en Londres en 1938 huyendo de una guerra que, aunque no se había iniciado, Mondrian consideraba inminente. Tras el inicio de la guerra, Mondrian se establecerá en Nueva York, dónde fallecerá en 1944. En estos últimos años, los colores primarios dejarán de estar situados en áreas rectangulares y ocuparán las líneas de la retícula. En esta época veremos como Mondrian empleará, a veces, tiras de papel de colores que fijará con chinchetas en los bordes del bastidor del cuadro. Tanto estas obras como los procedimientos empleados, parecen revelar la sensación de liberación y de alivio de Mondrian, al alejarse del terrorífico ambiente de la Europa atrapada por el nazismo y la 2ª guerra mundial y la fascinación que la ciudad de Nueva York ejercerá en él. ¿ porqué, cómo no ver en cuadros como “New York city” de 1943. una cierta evocación de los ritmos, el dinamismo, las circulaciones e incluso el trazado del plano urbano de dicha ciudad? New York City. 1943.
En algunos de sus últimos cuadros como Broadway Boogie-woogie o Victory boogie-woogie, las líneas de la retícula estarán constituidas por pequeños rectángulos de los colores primarios que generarán una sensación de movimiento  y que parecen tanto inspirados por ese baile entonces tan popular que daba título a las obras pero que también podría se una transposición del dinamismo, los destellos y el color de los anuncios luminosos de Nueva York. Broadway Boogie- Woogie. 1942-1943.
El cuadro que encabeza este comentario y que vamos a comentar es un óleo sobre lienzo de tamaño mediano, pintado por Mondrian en 1935. Las líneas y las masas de color fueron aplicadas cuidadosamente con pincel , utilizando seguramente cinta adhesiva para realizar reservas que facilitaran la precisión y limpieza de los bordes de áreas y bandas.
Sólo tres líneas horizontales y tres líneas verticales y tres rectángulos de distinto tamaño de los tres colores primarios (amarillo, rojo y azul) articulan la composición. La sensación es de absolutos orden, equilibrio y armonía. La masa más amplia del rectángulo rojo situado en el vértice superior izquierdo parece ser contrarrestada por los inferiores y más pequeños amarillo y azul. Asimismo, el mayor peso visual del rectángulo azul se equilibra acercándolo al hacia el eje vertical del cuadro y compensándolo con el más ligero rectángulo amarillo que se pega al borde izquierdo.
La obra de Mondrian tiene un carácter radical, hay una voluntad de eliminar lo trágico que Mondrian identificaba con lo inconsciente y que veía aparecer en  todas las formas de expresionismo. Por ello, el artista debía evitar influir emocionalmente en el espectador ya que su misión, mucho más ambiciosa y ética, debía ser reflejar la armonía del universo. Como Spinoza, Mondrian creerá que la percepción será necesaria pero no suficiente para alcanzar el conocimiento ya que, para profundizar en la esencia de las cosas, será preciso un proceso reflexivo. El arte figurativo sólo nos presenta la apariencia de las cosas, el Neoplasticismo, sin embargo, intenta ser vehículo de valores universales intentando alcanzar esa sustancia inmutable que se identifica con el orden geométrico. Para ello, como hemos dicho, Mondrian recurre a un plan de absoluta depuración del lenguaje artístico. La oposición entre líneas horizontales y verticales negras y los planos no coloreados alude al elemento invariable o espiritual y el elemento natural o variable es el que introducen las relaciones entre los tres colores primarios y las proporciones de los planos que conforman.
Mondrian, compartirá la creencia en la función social del arte con otros artistas contemporáneos, como los integrantes de otras vanguardias que recurrirán a un lenguaje abstracto (Los suprematistas y los constructivistas rusos, por ejemplo. El arte debe contribuir a transformar a la sociedad, enseñando un nuevo modo de ver y fabricando, como le solía gustar decir, los iconos de una sociedad futura.
La influencia del legado artístico de Mondrian ha sido enorme y su obra ha servido como inspiración, con resultados dispares, no sólo de muchos otros artistas posteriores, sino también de diseñadores gráficos e incluso modistos ( como puede patentizar el conocidísimo vestido Mondrian realizado por Yves Saint Laurent en 1965).

Cuadrado negro sobre fondo blanco(19159 y Cuadrado blanco sobre fondo blanco ( 1918) de Malevich.

Las primeras décadas del siglo XX van a traer la consolidación del sistema capitalista y colonialista y las tensiones surgidas entre las potencias que provocarán la 1ª Guerra Mundial. Frente a las injusticias y arbitrariedades del sistema habrá una toma de conciencia que provocará, entre otras cosas, las primeras revoluciones populares ( como la Soviética en Rusia o la fallida revolución espartaquista en Alemania) así como la idea creciente entre los artistas de vanguardia de que el arte podía ser un elemento activo que contribuya a la transformación y mejora de la sociedad y de sus formas de vida.
Los primeros movimientos abstractos en el arte, que surgirán durante la 2ª década del siglo XX, van a participar de esta creencia.
Llamamos abstractas a aquellas formas artísticas en las que no aparece referencia alguna al mundo natural.
Los primeros movimientos que promoverán imágenes abstractas parten de la concepción, ya señalada por Gauguin, de que las formas artísticas deberían servir para transmitir o acercarse a lo que, vagamente, podríamos llamar” Lo espiritual”.
Se considera unánimemente como iniciador del arte abstracto a Vassily Kandinsky, un pintor ruso expresionista, miembro del grupo Der Blaue Reiter, que, animado por la creencia de que unas determinadas combinaciones, armonías o composiciones de líneas y masas de color podían servir para acercarnos a un estado espiritual de un modo más efectivo que la representación tradicional y mimética de las formas , irá eliminando paulatinamente toda referencia figurativa, hasta llegar a la realización de su primera acuarela abstracta que se fecha en torno a1910.
Partiendo del camino abierto por cubistas, futuristas y algunos pintores abstractos rusos (los llamados” rayonistas”), surge en 1915 en Rusia, impulsado por la figura determinante del pintor Kazimir Malevich, el llamado Suprematismo al que también se refirió como “ Un nuevo realismo pictórico”. El nombre de Suprematismo se justifica porque el artista subraya la supremacía del sentimiento puro que encuentra un equivalente en la forma artística pura, desprovista de toda significación simbólica o racional. Malevich habla de Nuevo realismo porque la relación entre los elementos revelados en el cuadro constituye o desvela una nueva realidad, punto de partida de la nueva pintura.
Por tanto, el Suprematismo pretendía una pintura creada con los medios básicos de ésta, es decir la forma y el color pero, además, reducidos éstos a la simplificación máxima para, por medio de un vaciamiento de todo lo superfluo convertir la pintura en algo real por si mismo , sin ninguna dependencia de la naturaleza ni referencia a ésta. De este modo, Malevich empleará sobre fondos siempre blancos formas geométricas simples ( Cuadrados, rectángulos, círculos, cruces) pintados generalmente en negro, rojo y, en menor medida, azul y el amarillo.
La postura de Malevich se acerca a una visión mística e idealista del arte, creyendo, además en su capacidad de transformación de la sociedad.
Malevich fue uno de los primeros artistas utópicos de la década de 1910 que planteó que los problemas sociales más complejos podrían ser resueltos si se enfocaban desde una perspectiva en la que lo estético fuera protagonista.
El cuadrado negro negro sobre fondo blanco al que Malevich llamó también cuadrángulo, es un óleo sobre lienzo de 106´2x106,6 cm.. Los dos colores están aplicados evitando crear grandes diferencias de textura o de densidad. El gesto pictórico aparece levísimamente en la suave aplicación de las pinceladas que testimonian que la obra es producto de un acto de creación artística.
En el cuadrado negro podemos plantearnos si ese cuadrado negro es una representación del vacío abierto o una imagen recortada sobre un vacío blanco.; fondo y figura establecen una relación ambigua e indeterminada. Este cuadrado negro sobre fondo blanco fue expuesto por primera vez en 1915 en una exposición suprematista. Malevich colocó su cuadro en uno de los ángulos superiores de la sala, en un lugar semejante al que se empleaba en las casas campesinas rusas para colocar los iconos religiosos. No se trata tanto de una provocación, como de reivindicar el valor espiritual de su obra. La imagen pictórica se desvincula de toda relación con lo mimético y establece una nueva realidad, la estética; absolutamente independiente.
El cuadrado blanco sobre fondo blanco fue pintado por Malevich en 1918. se trata de un óleo sobre lienzo de 79,4 x79,4 cm. El cuadro fue pintado también en esta ocasión buscando crear una superficie aparentemente uniforme pero en la que también se aprecia un leve rastro de las suaves pinceladas aplicadas y una ligerísima variación de densidad y textura . Así, el cuadro no es todavía impersonal sino que refleja sutilmente el rastro de la mano de su creador.
Tan sólo un leve matiz de tono separa el cuadrado blanco dispuesto oblicuamente del fondo. Para ello, Malevich empleó dos tipos de pintura al óleo comerciales, una de origen ruso para el fondo y otra de origen francés para el otro.
El austero ascetismo de Malevich le lleva al borde de la nada; la obra se refiere a si misma, no hay en ella ningún tipo de alusión ni de evocación y, como acertadamente dijo Oteiza, alcanza el grado cero de la expresión. Oteiza, fue un gran admirador de la obra de Malevich. De hecho, la disposición oblicua del cuadrado respecto a los márgenes del lienzo es muy semejante a la de los planos que conforman las cajas metafísicas del escultor vasco.
A finales de los años 20, Malevich acuciado por el rechazo oficial de su arte por parte de las autoridades estalinistas y quizás también por la magnitud del paso que había dado y que le había llevado a lo que podía considerarse un punto y final de su idea sobre el arte volvió a un lenguaje pictórico figurativo, inspirado en la simplicidad del arte popular de los campesinos rusos pero en el que se recogerán ecos de su lenguaje abstracto anterior.
La vía abierta por Malevich será determinante en el desarrollo del arte posterior. Evidentemente, no sólo en artistas contemporáneos o inmediatamente posteriores como otros suprematistas o algunos artistas de la Bauhaus o el ya mencionado Oteiza sino en artistas de los años 50 y 60 tan distintos como los de la “ Field Color Painting “ ( Rothko o Barnett Newman) que creerán en la capacidad de la imagen pictórica geométrica abstracta de hacer trascender espiritualmente al espectador u otros como los pintores de la Abstracción Postpictórica ( Elsworth Kelly, Kenneth Noland o Frank Stella) que buscarán crear una imagen más autorreferencial y que subraye el carácter objetual de la obra pictórica o los escultores minimalistas que tendrán un planteamiento semejante respecto a sus esculturas.

Pintura nº 201. Vassili Kandinsky.1914.

Las primeras décadas del siglo XX van a traer la consolidación del sistema capitalista y colonialista y las tensiones surgidas entre las potencias que provocarán la 1ª Guerra Mundial. Frente a las injusticias y arbitrariedades del sistema habrá una toma de conciencia que provocará, entre otras cosas, las primeras revoluciones populares( como la Soviética en Rusia o la fallida revolución espartaquista en Alemania) así como la idea creciente entre los artistas de vanguardia de que el arte podía ser un elemento activo que contribuya a la transformación y mejora de la sociedad y de sus formas de vida.
Los primeros movimientos abstractos en el arte, que surgirán a partir de 1910, van a participar de esta creencia.
Llamamos abstractas a aquellas formas artísticas en las que no aparece referencia alguna al mundo natural.
Los primeros movimientos que promoverán imágenes abstractas parten de la concepción, ya señalada por Gauguin, de que las formas artísticas deberían servir para transmitir o acercarse a lo que, vagamente, podríamos llamar” Lo espiritual”.
Así, se considera unánimemente como iniciador del arte abstracto a Vassily Kandinsky, un pintor ruso expresionista, miembro del grupo muniqués Der blaue reiter, que, animado por la creencia de que unas determinadas combinaciones, armonías o composiciones de líneas y masas de color podían servir para acercarnos a un estado espiritual de un modo más efectivo que la representación tradicional y mimética de las formas , irá eliminando paulatinamente toda referencia figurativa, hasta llegar a la realización de su primera acuarela abstracta que se fecha en torno a 1910.
Kandinsky expresará su concepción del arte en un libro editado en 1912 y titulado: “ De lo espiritual en el arte” que será fundamental en el desarrollo de estas nuevas formas artísticas. En él, utilizando frecuentes analogías con la composición musical, afirmará que el propósito fundamental del arte será acercarnos a lo espiritual y que esto debe hacerse por medio de la combinación armónica de los elementos propios de la pintura que son la línea y las manchas de color. Asimismo, rechazará la representación de formas figurativas ya que estas distraen de ese propósito principal al establecerse siempre la comparación entre el modelo real y su representación.
Kandinsky Pintó este cuadro titulado simplemente “pintura nº 201” en 1914.
Se trata de un óleo sobre lienzo de tamaño medio en el que Kandinsky destaca los propios elementos pictóricos como constituyentes y protagonistas de la imagen pictórica. La gama de colores es muy rica y variada , primando los colores primarios y secundarios, por lo general bastante saturados. Hay una gran valoración de lo pictórico ya que Kandinsky aplica el color de distintos modos, combinando ligeras pinceladas poco cargadas y más diluidas con otras más empastadas y podemos apreciar claramente el recorrido de las pinceladas por la superficie pictórica. Las pinceladas constituyen líneas y masas de color de distinto grosor, forma y tamaño. En estas imágenes incluso los planos de color parecen alejarse de las formas geométricas más habituales y aparecen con contornos no muy marcados o definidos para manifestar la absoluta autonomía de los medios pictóricos. Estas masas y líneas de color se disponen sobre la superficie pictórica , “ equilibrando” su peso visual, buscando la armonía de la composición de modo semejante a las notas de una composición musical. Así, vemos líneas dinámicas y masas más estables que se contrarrestan, creando una imagen unitaria, armónica y equilibrada en la que la belleza se obtiene por la interrelación de estos elementos.
Todo elemento figurativo o descriptivo se elimina de la imagen pictórica hasta el punto de que el título evita describir o aludir a algo y hace sólo referencia a que esta pintura fue la 201 en la serie iniciada tras la creación de la 1º obra abstracta.

De este modo, Kandinsky avanza, citando sus propias palabras, “hacia objetivos puramente artísticos( es decir pictóricos), alejándose del matiz literario del objeto” y avanza un paso más en el camino de la autonomía del arte que en este caso se independiza también del motivo figurativo.
Posteriormente, a partir de los años 20 en las obras de Kandinsky las formas aparecerán con contornos más definidos , colores más uniformes y líneas más marcadas. También en los años 20 iniciará su actividad docente como profesor de pintura en la Bauhaus y en este periodo publicará otro libro fundamental titulado “ Punto y línea sobre el plano” en el que recopilará sus ideas acerca de lo constitutivo de la imagen pictórica,

La influencia de Kandinsky será enorme y determinante ya que abrirá el campo a las variadas y fecundísimas corrientes abstractas surgidas posteriormente. Desde el suprematismo de Malevich o el neoplasticismo de Mondrian, pasando por la obra de Paul Klee, el surrealismo de Miró, hasta llegar a la pintura de acción de Jackson Pollock, la Pintura de campo de color de Mark Rothko o la abstracción Postpictórica de Ellsworth Kelly.